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Canciones Que Dan Cosica: «El imperio contraataca» de Los Nikis

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Jorge Fernández
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Los cuatro integrantes de Los Nikis posan frente a una pared de rayas verticales blancas y negras.
Los Nikis publicaron «El imperio contraataca» en 1985. Una sátira sobre el Imperio español que algunos terminaron interpretando literalmente.
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Joaquín Rodríguez recordaba los mapas de los libros de historia del colegio. En uno, España ocupaba medio mundo. En los siguientes, el territorio iba menguando. Años después, el bajista de Los Nikis convirtió aquel recuerdo en un tema sobre la recuperación del imperio español. La canción empezaba en 1582 y el sol no se ponía en nuestro imperio.

Los Nikis llevaban desde 1980 tocando canciones rápidas, guitarreras y disparatadas. Rafa Cabello, Joaquín Rodríguez, Arturo Pérez y Emilio Sancho se habían ganado el apodo de los Ramones de Algete. «El imperio contraataca», con título prestado de Star Wars, apareció como sencillo en 1985 y abrió su primer álbum, Marines a pleno sol, publicado en 1986. Llegó al número uno de Los 40 Principales. En el videoclip, grabado en el Retiro de Madrid, aparecían disfrazados de personajes históricos. Felipe II tenía motivos para estar preocupado.

La canción imaginaba una España que recuperaba su grandeza perdida a base de victorias absurdas. Bastaba con que la tortilla de patatas derrotase a McDonald’s, el cinquillo sustituyese al blackjack en Las Vegas y España aplastase a Yugoslavia en baloncesto. Por 20 puntos arriba. La cosa prometía. Pero con los años empezó a ocurrir algo que no habían previsto. Algunos seguidores de extrema derecha la adoptaron como himno patriótico. En un concierto en Palma de Mallorca, cuatro o cinco asistentes levantaron el brazo durante la canción. Joaquín respondió levantando el puño izquierdo. Él mismo contaría después que no era comunista ni fascista. Era tocapelotista.

La confusión continuó. El partido político España 2000 llegó a utilizar la canción en su página web y Los Nikis exigieron que la retiraran. Décadas después también sonaría en actos de Vox. Joaquín insistía en que no había escrito ningún manifiesto político. Había escrito una chorrada. Cuarenta años después, «El imperio contraataca» sigue siendo una de las canciones más reconocibles del punk-pop español. Pero hay quien continúa esperando que vuelva el Imperio. Porque aunque hace mucho tiempo que se acabó, hay cosas que nunca se olvidan, por mucho tiempo que pase. Dale al play:

 

Supersubmarina anuncian nuevas versiones de sus canciones y Dani Martín estrena «Puta Vida»

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Jorge Fernández
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Los cuatro integrantes de Supersubmarina posan en una fotografía promocional de la banda
Supersubmarina anuncian un proyecto de versiones de sus canciones que comienza con «Puta Vida», reinterpretada por Dani Martín.
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Diez años después del accidente que cambió sus vidas, Supersubmarina han anunciado un proyecto que recuperará sus canciones a través de las voces de otros artistas. La primera en llegar es «Puta Vida», reinterpretada por Dani Martín, que inaugura una serie de versiones grabadas por músicos cercanos a la banda. Chino, Juanca, Pope y Jaime han compartido la noticia con un mensaje especialmente emocionado, agradeciendo a los amigos que han querido participar y explicando lo que ha significado para ellos escuchar sus canciones de otra manera. No han desvelado todavía el resto de nombres ni el calendario de lanzamientos. De momento, Dani Martín ha sido el encargado de abrir la puerta.

«Puta Vida» apareció originalmente en Realimentación, el EP que Supersubmarina publicaron en 2011, cuando los cuatro músicos de Baeza estaban construyendo una trayectoria que los llevaría a convertirse en uno de los grupos más queridos del indie español. Después llegarían Santacruz y Viento de cara, los conciertos multitudinarios y canciones que siguen formando parte de la vida de miles de personas. Algunas, como «De las dudas infinitas», han adquirido incluso un significado distinto con el paso del tiempo. La versión de Dani Martín recupera ahora una de las composiciones más directas de aquella primera etapa. Y lo hace con el respaldo de sus propios autores, que han reconocido que escucharla les ha puesto los pelos de punta.

El anuncio llega cuando se cumplen diez años del accidente de tráfico de agosto de 2016 que interrumpió la carrera del grupo. Desde entonces, Supersubmarina han mantenido un vínculo muy especial con su público, al que siguen llamando cariñosamente «bichos». En su mensaje recuerdan que, durante todo este tiempo, el cariño de sus seguidores no ha desaparecido. Tampoco sus canciones. Ahora serán otros artistas quienes las interpreten, cada uno desde su propia mirada, en un proyecto que nace de la amistad y la admiración. Supersubmarina terminan su comunicado con una frase que deja bastante claro que habrá más noticias. «Esto no ha hecho más que empezar». Y aquí estaremos para escucharlas. Dale al play:

 

«Impermeable» de Carlos Berlanga vuelve al vinilo 25 años después

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Jorge Fernández
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Carlos Berlanga con gafas de sol, camisa rosa y chaleco negro, sentado junto a una chimenea
Carlos Berlanga publicó Impermeable en 2001. Elefant Records recupera su último álbum de estudio en una edición limitada de vinilo transparente por su 25 aniversario.
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Carlos Berlanga tenía una habilidad especial para escribir canciones sobre cosas que salían mal y conseguir que sonaran estupendamente. Lo hizo con Kaka de Luxe, Alaska y los Pegamoides y Alaska y Dinarama. También en solitario. En 2001 publicó Impermeable, su cuarto y último álbum de estudio, un disco que ahora Elefant Records reedita en vinilo transparente para celebrar su 25 aniversario. La nueva edición llega este 9 de octubre y recupera diez canciones de un compositor que podía hablar del desamor, el aburrimiento o las vacaciones. Sin perder el sentido del humor. Ni la elegancia. Aunque esta última palabra se utiliza tanto cuando se habla de Berlanga que casi habría que empezar a cobrar por ella.

Impermeable fue producido por Ibon Errazkin y mezclado por el propio Errazkin junto a Ian Catt, colaborador habitual de Saint Etienne. El resultado se alejaba de la electrónica más evidente de sus trabajos anteriores para incorporar guitarras acústicas, cuerdas, vientos y arreglos que miraban tanto al pop francés como a la bossa nova. También participaron Alaska, Mikel de La Buena Vida y Antonio Galvañ, de Parade. «Lady dilema», «Por desgracia no», «Vacaciones» o «Estrellas y planetas» forman parte de un repertorio donde las melodías luminosas conviven con historias menos felices. Berlanga sabía perfectamente que una canción triste podía ser bailable. Y que una buena melodía se solía quedar en la cabeza.

La reedición conserva las diez canciones originales y recupera un trabajo cuya portada fue diseñada por Javier Aramburu. Está disponible en una edición limitada de vinilo transparente, además de los formatos CD y digital. Carlos Berlanga falleció en 2002, apenas un año después de publicar el álbum, pero su manera de entender el pop sigue apareciendo en buena parte de la música independiente española. No hace falta convertir cada reedición en un acontecimiento histórico. Basta con volver a escuchar «Por desgracia no» o «A Cannes» para comprobar que algunas canciones llevan bastante bien el paso del tiempo. Mejor que muchos de nosotros. Dale al play:

 

Toldos Verdes estrenan «No era lo que pensé»

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Jorge Fernández
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Los cuatro integrantes de Toldos Verdes posan al aire libre entre árboles y vegetación
Toldos Verdes presentan «No era lo que pensé», una canción sobre la nostalgia y el miedo a hacerse mayor.
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Hacerse mayor tiene estas cosas. Un día descubres que el tiempo pasa demasiado rápido, que la nostalgia empieza a ocupar más espacio del previsto y que la vida adulta no se parece demasiado a lo que te habían contado. Toldos Verdes han decidido ponerle música a esa sensación en «No era lo que pensé», su nuevo single. El grupo madrileño lo resume sin rodeos. «Poco a poco me hago mayor a la fuerza, esto no era lo que pensé, menuda mierda». Hay pocas maneras más claras de explicar una decepción. Y bastantes menos de convertirla en un estribillo.

La canción recupera la velocidad del indie-rock de guitarras, con un bajo especialmente presente y referencias que van desde Vampire Weekend a The Drums o Surf Curse. Todo está pensado para que el desencanto se pueda cantar saltando. Toldos Verdes hablan del miedo a crecer, de la inocencia que desaparece y de la costumbre de mirar atrás convencidos de que cualquier tiempo pasado fue mejor. Aunque después de quejarse también encuentran motivos para seguir adelante. No parece mala idea. La alternativa sería pasarse la vida echando de menos algo. Y no.

«No era lo que pensé» llega después de Hace tiempo que quiero estar así, el segundo álbum que la banda ha publicado en 2026, con once canciones en las que amplió su sonido sin abandonar las melodías directas. Tras su debut homónimo y una gira que los llevó por salas y festivales, Toldos Verdes siguen encontrando historias en las cosas que le pasan a cualquiera. Esta vez toca asumir que hacerse mayor es inevitable. Lo de disfrutar del presente, en cambio, todavía depende de nosotros. Y si puede ser yendo a conciertos con amigos, bastante mejor. Dale al play:

 

Vetusta Morla estrenan «Bailar en Beirut», la historia de una promesa de 2004

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Jorge Fernández
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Los seis integrantes de Vetusta Morla posan al aire libre junto a unas palmeras y edificios durante sus primeros años como banda
Vetusta Morla recuperan en «Bailar en Beirut» la promesa que hicieron durante un viaje a Líbano en 2004.
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En 2004, Vetusta Morla todavía no habían publicado su primer disco. Faltaban cuatro años para Un día en el mundo y nadie sabía hasta dónde podía llegar aquella banda de Tres Cantos. Ese verano viajaron a Beirut para participar en el festival Anti-Crise y regresaron con algo más importante que un concierto en el extranjero. La última noche, en la azotea de una casa otomana de la capital libanesa, los seis amigos hicieron una promesa. Pondrían todo de su parte para que aquella aventura musical continuara. Veintidós años después, Vetusta Morla recuperan aquel juramento en «Bailar en Beirut», su nuevo single, publicado este 9 de octubre. Hay promesas que se olvidan a la mañana siguiente. Esta ha sobrevivido a siete discos de estudio, cientos de conciertos y un parón de dos años.

La canción es el segundo adelanto de su nueva etapa después de «Si vuelves» y ya tuvo su estreno en directo el pasado 2 de octubre, durante el concierto que abrió la Gira de Vuelta – Canciones de Ida en el Palau Sant Jordi de Barcelona. Fue la segunda canción del repertorio, una declaración de intenciones en una noche en la que el grupo presentó varias composiciones inéditas. «Bailar en Beirut» habla de la amistad, de las decisiones que se toman cuando todavía no se sabe demasiado de la vida y de la necesidad de seguir creyendo en algo cuando las circunstancias invitan a lo contrario. La banda ha explicado que aquella experiencia en Líbano estrechó su relación personal y artística. Ahora utiliza ese recuerdo para reivindicar la belleza y la amistad como formas de resistencia. No es poca cosa, especialmente teniendo en cuenta cómo está el mundo.

El lanzamiento coincide con el concierto que Vetusta Morla ofrecen este viernes en el Roig Arena de Valencia, segunda parada de una gira que continuará por Pamplona, Málaga, A Coruña y Sevilla antes de terminar con tres actuaciones en el Movistar Arena de Madrid, los días 19, 20 y 21 de noviembre. El grupo todavía no ha anunciado la fecha de publicación de su próximo álbum, pero las nuevas canciones empiezan a explicar por qué han decidido regresar. En 2004 prometieron que harían todo lo posible por seguir juntos. En 2026, después de detenerse, descansar y reencontrarse, han vuelto a subirse a un escenario. Aquellos seis amigos no podían saber qué les esperaba cuando miraban Beirut desde una azotea. Tampoco necesitaban saberlo. Les bastó con decidir que querían continuar. Dale al play:

 

Canciones Que Dan Cosica: «La Ribera» de León Benavente

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Jorge Fernández
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Los cuatro integrantes de León Benavente, autores de La ribera, canción publicada en 2016
León Benavente publicó «La ribera» en 2016. Diez años después, su retrato de la desigualdad y la especulación sigue siendo dolorosamente actual.
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«La ribera» nació de un pequeño arpegio. León Benavente estaba trabajando en otra canción cuando Abraham Boba quiso guardar aquella idea. Luis Rodríguez recuerda que Abraham tuvo claro que por ahí podían seguir. Era 2016 y España todavía arrastraba las consecuencias de la crisis económica, los desahucios y los recortes. La canción invitaba a asomarse a la ventana. Al otro lado había trenes, comercios, gente intentando dar sentido a su vida y personas durmiendo debajo de un puente. Todo parecía tener un precio. Esto y esto se vende. Al precio de los diamantes.

León Benavente había debutado en 2013. Tres años después, Abraham Boba, Eduardo Baos, Luis Rodríguez y César Verdú grabaron 2 en los estudios Garate de Andoain, con Kaki Arkarazo. «La ribera», segundo adelanto del disco, apareció en febrero de 2016. Bajo, guitarras y teclados acompañaban una letra sobre desigualdad, especulación y miedo. También aparecía la Ley Corcuera, aprobada en 1992 y conocida como la ley de la patada en la puerta. Permitía determinadas entradas policiales en domicilios sin autorización judicial. El Constitucional anuló esa disposición en 1993. Veintitrés años después, seguía apareciendo en una canción.

Abraham describía un país donde el barro subía hasta las rodillas y un pasito adelante podía significar un puñal en las costillas. Frente a todo aquello, un pequeño palacio situado en la ribera. El propio Boba explicaría que sus letras eran una crónica de su tiempo, con lo personal y lo político mezclados. Y una pregunta incómoda. ¿Es tan normal que se parezcan el futuro y el pasado?

Han pasado diez años. Seguimos hablando de alquileres imposibles, especulación y desahucios. Hoy estamos llorando a Maricarmen, una mujer de 87 años que llevaba siete décadas viviendo en su casa de Madrid. Ha fallecido después de ser desahuciada. Estaba a punto de firmar el acuerdo que le permitiría volver. No llegó a tiempo. Su historia duele. Mucho. Y la cosa está que arde. Por increíble que parezca, no hemos tenido bastante. Mientras tanto, León Benavente sigue tocando «La ribera». Abraham preguntaba cuánto habíamos progresado. Diez años después, el futuro sigue pareciéndose demasiado al pasado. Dale al play:

 

Canciones Que Dan Cosica: «Tengo un trato» de Mala Rodríguez

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Jorge Fernández
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Mala Rodríguez con gafas de sol y camisa blanca junto a un piano
Mala Rodríguez publicó «Tengo un trato» en 2000, una canción que convirtió su determinación personal en uno de los grandes éxitos del rap español.
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«Tengo un trato» nació en la cocina de un estudio de la calle Concha. Mala Rodríguez se concentró y empezó a escribir. Tenía poco más de veinte años y llevaba tiempo intentando hacerse un sitio en el rap. Había nacido en Jerez, crecido en Sevilla y a los 19 se había marchado a Madrid. Antes había trabajado de camarera, profesora de aeróbic y limpiando. Ahora tenía otra cosa entre manos. Tengo un trato, lo mío pa mi saco. María recuerda aquel momento como el instante en que decidió focalizarse. Sabes que tienes que lograr algo y lo vas a hacer.

La canción apareció en Lujo ibérico en 2000 y acabó convirtiéndose en una de las piezas fundamentales de su carrera. Mala Rodríguez rapeaba con acento andaluz, personalidad y toda la seguridad del mundo. Yo tampoco me creo na’, milagro. Pero si me pongo lo hago. Si tengo tema salto y si no, me callo. El disco vendió más de 67.000 copias y consiguió el oro. «Tengo un trato» llegó al número tres en España. El rap español tenía desde hacía tiempo una escena potente, pero seguía siendo un territorio ocupado casi completamente por hombres. María acababa de encontrar su sitio.

Años después hubo quien interpretó “lo mío pa mi saco” como una referencia al dinero. Ella explicó que significaba otra cosa. Voy a defender lo mío a muerte. Lo suyo era el trabajo, la energía que estaba poniendo, todo lo que estaba haciendo. Currárselo y tirar hacia delante. Visto así, la canción es aún mejor. Estoy en la línea que da más miedo. No había milagro. Había una chica de 21 años que había llegado a Madrid dos años antes y tenía claro qué iba a hacer con lo suyo.

Después llegaron discos, giras, dos Latin Grammy y el Premio Nacional de las Músicas Actuales en 2019. También llegaron otras generaciones de artistas que crecieron con Mala Rodríguez como referencia. Pero ella sigue recordando «Tengo un trato» por aquella cocina y aquel momento concreto. Cree que es historia del rap. Han pasado 26 años y lo mío pa mi saco. Lo tuyo más barato. Dale al play:

 

Canciones Que Dan Cosica: «Sildavia» de La Unión

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Jorge Fernández
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Los cuatro integrantes originales de La Unión en una fotografía promocional de los años ochenta
La Unión publicó «Sildavia» en 1984, una canción inspirada en el reino imaginario creado por Hergé para Tintín.
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Sildavia no se halla en los mapas. La Unión ya lo avisó en 1984, así que llevamos más de cuarenta años buscando un país que no existe. Hergé había inventado Syldavia para Las aventuras de Tintín, un pequeño reino balcánico con rey, bandera, idioma y problemas políticos. Rafa Sánchez, Íñigo Zabala, Mario Martínez y Luis Bolín cambiaron una letra y se quedaron con el nombre. Su «Sildavia» era bastante más apetecible. Allí el tiempo pasaba despacio, no había desiertos ni falsas pasiones y uno podía perderse tranquilamente. Incluso el sol prometía no derretirte las alas.

La Unión tenía cierta costumbre de encontrar canciones dentro de los libros. Íñigo Zabala y Rafa Sánchez compartían el gusto por la literatura. Leían a Bécquer, Edgar Allan Poe o Boris Vian y después se llevaban las ideas a otro sitio. De El lobo-hombre de Vian salió “Lobo hombre en París”. De Tintín salió «Sildavia». Todo acabó dentro de Mil siluetas, su primer disco, publicado en 1984 y producido por Nacho Cano y Rafael Abitbol. El lobo llegó primero y fue un éxito descomunal. Después tocaba preguntar a la imaginación.

“Sildavia” fue el segundo single y también se disparó. Llegó al número uno de Los 40 en diciembre de 1984 y al número tres en la lista española de ventas. Hasta el videoclip quedó ligado a otro icono de los ochenta. TVE lo realizó para La bola de cristal, el programa de Lolo Rico que mezcló música, humor, electroduendes y cultura pop y terminó educando el gusto de varias generaciones. “Sildavia” también pasó por allí y enseguida media España soñaba con aquel lugar que nadie podía señalar en un mapa.

La Unión terminó bastante menos unida de lo que prometía su nombre. Rafa Sánchez anunció la disolución del grupo en 2020, Luis Bolín continuó utilizándolo y Mario Martínez falleció en 2022. Hasta los tribunales acabaron entrando en la historia. Pero «Sildavia» se quedó fuera de todo aquello. Para llegar hay que distraer los sentidos en el silencio y dominar el vuelo en el espacio. Es el jardín de las delicias. Y lo más importante, no tener miedo de perderse. El tiempo pasa tan despacio allí que quizá todavía sea 1984. Dale al play:

 

Canciones Que Dan Cosica: «Magia en tus ojos» de La Granja

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Jorge Fernández
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Portada de Azul eléctrica emoción, el disco de La Granja de 1989 que incluye Magia en tus ojos
Azul eléctrica emoción (1989), el disco de La Granja que incluía «Magia en tus ojos», su célebre versión de Billy Bragg.
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Billy Bragg publicó “She’s Got a New Spell” en 1988. Un año después La Granja cogió la canción, cambió la letra y la llamó “Magia en tus ojos”. El original hablaba de una mujer capaz de cortar las estrellas del cielo y hornearlas en un pastel. En castellano, a la protagonista no le bastaba con ser bruja, es que además había magia en sus ojos. Y magia en su voz. Y sabía mil maneras para andar robando el tiempo y la razón a los demás. Billy Bragg puso la música y el hechizo. La Granja hizo el resto.

“Magia en tus ojos” apareció en Azul eléctrica emoción, el tercer disco del grupo mallorquín. Lo grabaron en julio de 1989 en Madrid con Paul Collins, líder de The Beat, como productor. El disco salió aquel otoño y terminó considerado por Rockdelux como el mejor álbum español de 1989. Allí estaban “La mala traición”, “El chico de la moto”, “Inés” o “Persiguiendo una luz”. Y en medio, una canción de Billy Bragg que parecía de La Granja. “Magia en tus ojos” se convirtió en un hit y llegó a la parte alta de Los 40 rodando calle abajo hacia ningún lugar.

Pero es que en el single había más. En la cara A versionaban a Billy Bragg y en la B metieron “High School” de MC5. Una británica y una de Detroit. La Granja nunca escondió sus referencias. Habían escuchado a The Byrds, R.E.M., Rain Parade o el power pop americano. Las versiones tampoco eran algo nuevo para ellos. En su primer disco ya habían convertido “Face to Face” de Zakary Thaks en “Un buen recuerdo”. Solo que con “Magia en tus ojos” la versión creció más. Mucho más. Por la magia en la voz más dulce que escuché. Y que se vaya el mundo al traste si no estás tú.

Años después le preguntaron a Miquel Gibert si no le molestaba que el hit por el que seguían recordando a La Granja fuera precisamente una versión. Dijo que a esas alturas que alguien los recordara por “Magia en tus ojos” ya era todo un éxito. Y contó algo aún mejor. Alguien le confesó las veces que se había desmelenado con aquel gran tema suyo. Uno que se llamaba “Mil calles llevan hacia ti”. Esa era de La Guardia. La edad de oro del pop español daba para confusiones… Dale al play:

 

Canciones Que Dan Cosica: «Veneno en la piel» de Radio Futura

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Jorge Fernández
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Los cuatro integrantes de Radio Futura con chaquetas de cuero negro sobre un fondo rosa
Radio Futura publicó «Veneno en la piel» en 1990, su último gran éxito antes de la separación del grupo.
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Santiago Auserón estaba saturado. Radio Futura tenía que entregar un disco y él quería terminarlo. Así que escribió rápido. Muy rápido. “Veneno en la piel” era, según contó después, casi una canción de encargo, descarada y de dos acordes. A veces la vida es así. Quieres quitarte un problema y terminas escribiendo el mayor éxito comercial de tu grupo. La canción llegó al número uno. El disco también. Durante cinco semanas. Era la primera vez que Radio Futura lo conseguía. Y la última.

En realidad les había salido una cosa entre ye-yé y spaghetti western. Eso decía Santiago. La canción hablaba de alguien hecha de plástico fino que tenía un tacto divino y que quería ir a bailar. Pero antes había que llevarla a cenar. A un sitio caro. Él hizo cuentas de cabeza. A ver si aceptaban la cartilla del paro. No pintaba bien. Así que ella insultó al camarero, le salpicó con cerveza y fue haciendo discoteca mientras él la esperaba en la barra. Una noche estupenda.

Parecía una canción sobre una mujer imposible. No exactamente. Radio Futura explicó después que aquello era una advertencia contra la intoxicación de las imágenes y el consumismo. Y entonces la realidad mejoró la historia. En 1991 Don Algodón utilizó “Veneno en la piel” como reclamo publicitario. La canción que criticaba la presión de la publicidad acababa convertida en publicidad. Radio Futura denunció a la empresa. Hubo juicio. Y perdió. Santiago diría años después que el asunto les había dado muchos sinsabores. Hubo más. En el concierto de Las Ventas de Madrid, el promotor se largó con el maletín del dinero. Normal que empezaran a mirar la puerta de salida.

“Veneno en la piel” se publicó en 1990. Cinco días después de lo de Las Ventas, el grupo tocó en Las Rozas. Fue su último concierto. Aquella gira terminó siendo la última. La despedida no llegaría hasta 1992, pero la historia estaba terminada. Una historia que tuvo una bruja consumada que estaba intoxicada, un corazón de tiza en la pared, una campaña de publicidad, un juicio, un maletín, el número uno… y hasta veneno en la piel. Dale al play:

 

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